„Aoashi“-Cast Junya Enoki, Koki Uchiyama und Kazuyuki Okitsu über Gemeinsamkeiten von Synchronarbeit und Fußball sowie zeitgemäßes Schauspiel

Der Fernsehanime „Aoashi“ läuft derzeit mit „Season 2“ jeden Sonntag um 17 Uhr auf NHK Educational TV. Die Serie spielt in der Nachwuchsmannschaft des J.League-Clubs „Tokyo City Esperion“ und zeichnet sich durch eine Handlung aus, die den Fokus auf die taktische Seite des Fußballs legt.

Der Protagonist Ashito Aoi beschäftigt sich damit, wie man mit Köpfchen Fußball spielt. Mit seinem angeborenen Talent, dem Überblick aus der Vogelperspektive ＜Eagle Eye＞, setzt er sich ein und steigt in „Season 1“ ins A-Team auf. In „Season 2“ wird mit Spannung erwartet, wie Ashito im A-Team, in dem sich starke Spieler drängen, Fußball spielen wird.

In diesem Artikel präsentieren wir ein Interview mit Junya Enoki, der Yuma Motoki spricht, Koki Uchiyama, der Yoichi Kiriki spricht, und Kazuyuki Okitsu, der Kenta Yoshitsune spricht – allesamt Charaktere aus dem A-Team. Wir haben sie gefragt, was sie bei den Aufnahmen als Schauspieler denken und ob sie sich mit dem „Denken beim Spielen“ identifizieren können, das in „Aoashi“ gezeigt wird.

—— Durch „Aoashi“ habe ich erlebt, wie reizvoll es ist, Fußball mit Köpfchen zu spielen, einschließlich der taktischen Aspekte. Mich interessiert, woran Sie als Schauspieler, die die Figuren sprechen, bei diesem „Denken“ im Werk anknüpfen können.

Uchiyama: In „Season 2“ wird es für Kiriki wichtig, wie er mit der jüngeren Generation kommuniziert. Ich finde, dass es Überschneidungen damit gibt, wie man sich auch abseits des eigentlichen Spiels einbringt.

Synchronaufnahmen macht man grundsätzlich gemeinsam, es ist also nichts, was man allein zum Abschluss bringen kann. Es ist wichtig, die eigenen Zeilen präzise auszudrücken, aber die Kommunikation spielt vor allem abseits der eigenen Zeilen eine Rolle.

Okitsu: Ich glaube, unser Ziel ist es, dass das, was „so sein soll“, über das gesamte Werk hinweg als Rührung bei den Zuschauern ankommt. Wir spielen uns mit jeder einzelnen Zeile immer weiter die Bälle zu und erzielen am Ende das Tor der Rührung. Doch wenn wir zu weit schießen und es heißt „Da vorne ist doch kein Mitspieler!“, fällt das Tor nicht.

In diesem Sinne ist es nötig, das anfängliche gemeinsame Verständnis darüber, wie wir vorgehen, über Beziehungen abseits der Zeilen abzustimmen und so die Richtung festzulegen. Wie Uchiyama sagte, ist Kommunikation wichtig.

Enoki: Kommunikation findet manchmal auch über das Spiel statt, und manchmal versucht man, es dem Gegenüber leichter zu machen, seine Zeilen zu sprechen. Aber wie auch in „Aoashi“ gezeigt, muss man dahin kommen, dass es ohne Nachdenken klappt.

Wenn man etwas gezielt macht, fliegt es irgendwie auf, und es wirkt dann gekünstelt. Deshalb kann ich nachvollziehen, dass man nachdenkt und zugleich versucht, nicht nachzudenken.

Okitsu: Es ist wichtig, dass die anderen wissen, was man denkt. Wenn man zu direkt ist, kommt es auch im Team von „Aoashi“ zu Streit. Dennoch halte ich es für nötig, die Fähigkeit zu trainieren, einander auch ohne Worte zu spüren.

So wie man beim Fußballspielen keine Zeit hat, sich zu beraten oder etwas in Worte zu fassen, ist auch bei der Synchronarbeit die Zeit begrenzt. Man handelt nach dem eigenen Gespür, und das führt zum Tor. Man spornt sich gegenseitig bis zu diesem Punkt an. Ich denke, Fußball und Synchronarbeit sind insofern gleich, als man auf ein gemeinsames Ziel hinarbeitet.

—— Wenn ich mit Synchronsprechern über ihre Arbeit spreche, bleibt mir immer in Erinnerung, dass sie die Atmosphäre vor Ort schätzen und im Wechselspiel spüren, was gebraucht wird. Das ist ein sehr interessanter Punkt.

Okitsu: Selbst wenn man zum Beispiel „Ich liebe dich!“ sagt, gibt es Leute, die denken „Das glaube ich nicht“. Oft kommt etwas selbst in Worten nicht an haha. Deshalb verbindet man den Abgleich der Gefühle auf einer Ebene jenseits der Worte.

—— So wie sich die Spieler in „Aoashi“ im Match verständigen, geht es auch für die Schauspieler darum, wie sie in der Synchronaufnahme Gefühle durch ihr Spiel ausdrücken und verbinden. Ich fand, dass das etwas sehr Universelles ist.

Uchiyama: Ich habe aber das Gefühl, dass sich die Art, wie sich Werke verbreiten, verändert. Man bezieht viele Informationen über soziale Medien, und auch beim Anime wird es für die Bewerbung eines Werks immer wichtiger, wie gut sich Clips (aus Szenen der Hauptfolgen) verbreiten.

Bei der Sprechweise denke ich manchmal: Diese Figur würde hier im Verlauf der Handlung (und der Gefühle bis dahin) nicht dick auftragen, aber das hier ist wohl eine Szene, die man (zu Werbezwecken) als Clip herausschneiden will, also sollte man sie vielleicht auffällig und cool ansetzen.

Enoki: Aha. Stimmt.

Uchiyama: (Eine Darstellung, die auf Clips ausgelegt ist,) ergibt sich aus dem Gefühlsverlauf der Figur nicht auf natürliche Weise, und ich weiß nicht, ob sie als Darsteller und als Schauspiel richtig ist. Aber ich möchte, dass viele Menschen es sehen, und ich finde, ein Werk sollte sich verbreiten. Deshalb ist vielleicht irgendwo im Hinterkopf der Gedanke, es bewusst cool zu machen.

Enoki: Man hat sozusagen auch das Schauspiel für Clips irgendwie im Blick.

Uchiyama: Als neue Art der Verbreitung von Werken in den letzten Jahren (durch Clips in sozialen Medien) ist der Ansatz „Es wäre schön, wenn es als Clip gut wirkt“ eine Sichtweise, die es vor zehn oder fünfzehn Jahren nicht gab.

Heute kann sich die Art, wie sich ein Werk verbreitet, womöglich dadurch ändern, ob es die Zuschauer in fünf Sekunden (eines Clips) packt. Vielleicht denken auch die Leute bei Zeichnung und Regie ähnlich, aber auch als Darsteller denkt man darüber nach.

Das Interview gab einen kleinen Einblick darin, woran Synchronsprecher bei der Aufnahme als Schauspieler denken und wie sie spielen. Trotz des Zwiespalts, dass man auch die vom Wandel der Zeit veränderte Verbreitung von Werken berücksichtigen muss, konnte man sicher spüren, wie die Schauspieler gemeinsam nach besserem Ausdruck suchen.

Interview & Text: kato
(C)小林有吾・小学館／「アオアシ Season2」製作委員会